The Doors : Morrison à la porte ?

Il ne viendrait à personne l’idée de contester le fait que The Doors est un groupe qui a compté dans l’épopée pop des années 60. Cependant depuis la mort de Morrison, une agaçante manie consiste à vouloir réécrire l’histoire en dissociant le groupe The Doors de son charismatique chanteur et à ne faire du premier que le support de la poésie forcément géniale du poète forcément maudit puisque mort à Paris et enterré au Père-Lachaise (comme Adolphe Thiers, comme quoi il n’ y a pas que des poètes mais aussi des bouchers).

Ainsi, certains continuent de dire " Jim Morrison et les Doors " au prétexte que le premier était un poète inspiré, beau comme un demi-dieu grec et que les autres membres des Doors n’étaient au plus que les faire-valoir de l’homme lézard.

Que le rock et les Doors n’aient eu qu’une importance relative dans la vie de Morrison, cela importe en définitive peu, car il est plus que vraisemblable que sans les Doors sa poésie n’aurait jamais dépassé l’audience de recueils publiés à compte d’auteurs. Résumer les Doors aux frasques de leur chanteur, c’est opérer un raccourci aussi agaçant qu’étonnant. La voix de Morrison était une des marques de fabrique du groupe et participe du son si particulier et si original de The Doors, mélange improbable entre le blues, le rock et la pop, mais elle n’est pas plus importante que l’orgue de Manzarek ou la guitare de Krieger, et pour le fan non-anglophone, le contenu des paroles n’a finalement qu’une portée limitée.

Mais d’où vient cette popularité étonnante de Morrison ? Trois facteurs peuvent être avancés : ses scandales à répétition, sa pose de poète et sa fin tragique.

Tout d’abord, une grande partie de la popularité de Morrison tient aux différents scandales qu’il provoqua tout au long de sa carrière avec The Doors, à la ville et sur scène. Ces esclandres, voire émeutes (cf. le fameux concert à Miami), ont indéniablement contribué à la notoriété du groupe et leur a permis d’élargir leur audience et de se faire un nom.

Mais, au bout du compte, ce ne sont pas tant les péripéties sur scène qui font aujourd’hui encore des Doors un groupe estimé, mais la qualité de leur production en studio.

Le parfum de scandale, les débordements scéniques - dont Oliver Stone s’est largement inspiré pour son film The Doors sorti en 1991 - tout cela importe peu car ces frasques n’ont en elles-mêmes aucune espèce de portée symbolique ou politique. Les agissements de Morrison débouchaient sur une aporie. Ainsi, la dénonciation de la passivité du spectateur et de la perversité de la société du spectacle (on est tout de même loin de Debord) devient vite obscène lorsque le dénonciateur devient sycophante en raillant son public alors qu’il n’oublie pas de passer au tiroir-caisse.

Ensuite, il faut parler du Morrison poète, qui aurait entraîné la jeunesse mondiale dans un parcours initiatique fait de rimes et de quatrains. Il faut rappeler que ce ne sont pas les paroles qui ont fait le succès des Doors (la preuve leur premier tube " Light my fire " a été entièrement écrit par Krieger) ; de plus, force est de constater que ses saillies les plus célèbres sont parfois d’un ridicule touchant. Ce grand garçon redécouvrant le mythe d’Œdipe (v. " The End ") a quelque chose de pathétique. De même, le fameux " We want the world and we want it now " dans " When the music’s over " fait davantage songer à un cri de révolte poussé par un enfant-unique-pourri-gâté que par un théoricien de l’action politique.

La provocation passée, l’inanité des paroles de Morrison, fait aujourd’hui sourire, car elles doivent plus à l’usage immodéré des drogues et de l’alcool qu’à la puissante inspiration : Morrison ne taquinait pas la muse, au mieux il la lutinait.

Il fut pourtant, traité de poète par certains journalistes américains de l’époque fortement impressionnés par les références du groupe. Quand on connaît le goût immodéré de l’Américain moyen pour la culture générale, on comprend que des références à Brecht ou Freud aient pu en laisser pantois plus d’un et que le mot de poète ait fusé. Que Morrison se soit entiché de poètes français, contribua également à édifier sa propre légende de " Poète " et qu’il mourut à Paris devait mettre un terme à toute contestation de ce statut revendiqué d’aède. On savait que les amoureux allaient à Venise (mais que l’endroit était d’une tristesse à mourir lorsqu’on ne s’aimait plus), pas encore que les oiseaux se cachaient pour mourir ; depuis 1971, on sait que les chanteurs pop viennent à Paris pour s’y faire enterrer et se faire labelliser " Poète maudit " (et dire que ce con de Mike Brant mort à Paris a décidé de se faire enterrer en Israël !).

Le dernier facteur explicatif de l’idolâtrie dont fait l’objet Morrison et l’effacement corrélatif de l’entité Doors résulte de son décès aussi tragique que mystérieux à Paris. Depuis la disparition du dernier témoin - sa compagne en 1974 – les plus folles rumeurs circulent (Morrison ne serait pas mort - sans doute joue-t-il aux cartes avec Elvis et Lennon dans un rade Mexicain) ; Morrison aurait été tué par le FBI, la CIA ; etc.). Mais la simple disparition de cette personnalité marquante du monde pop en pleine jeunesse, de surcroît peu de temps après Hendrix et Janis Joplin, a suffit pour faire de Morrison un nouveau James Dean.

Morrison repose désormais dans un des cimetières les plus coté de la capitale. Il voulait se faire enterrer dans la ville des poètes, il finit à deux pas d’un des fondateurs de la Banque de France (Casimir Périer) dans une tombe sur laquelle d’inconsolables fans, vautrés sur sa sépulture, engloutissent des litres de boisson pour oublier le chagrin que leur a causé la disparition d’un chanteur qu’ils n’ont jamais connu que mort. Ainsi rendent-ils hommage au demi-dieu grec gainé de cuir qu’ils ont statufié : après tout, on a les fans qu’on mérite !

Vouloir réduire les Doors à Morrison contribue à masquer l’essentiel. On retrouve bien ici les travers de la société du spectacle consistant à se polariser sur l’anecdotique au détriment du principal, le superflu plutôt que l’essentiel, faire primer le sensationnel sur le quotidien.

À lire tous les écrits consacrés à Morrison ou aux Doors on en oublierait presque que les Doors était groupe et non une somme d’individualités qui a apporté vitalité et fraîcheur à la pop musique américaine au moment même où leurs principaux représentants, dont les Beach boys, commençaient à connaître des jours difficiles.

La surprenante composition de cette formation sans bassiste, l’omniprésence de l’orgue, la singulière utilisation de la guitare et de ses effets et le chant puissant de Morrison vont installer le groupe dès le premier disque - d’une étonnante maturité d’ailleurs - dans le peloton de tête des groupes qui comptent.

Il ne sert alors de rien de se demander si les Doors doivent tout ou non à la personnalité hors du commun de Morrison, la seule chose qui compte c’est que les Doors aient existé et que leur musique perdure : en dehors des disques tout le reste est pur verbiage.

NB : message adressé aux personnes qui m’avaient signalé avoir croisé à Paris Jim Morrison. Vérification faite l’information est erronée : le barbu ventripotent n’était pas Morrison mais Carlos.

C'est l'été et l'heure de la farniente et des jeux. Kul vous propose de ne pas bronzer idiot à la lueur de votre écran avec un quizz musical destiné à réactiver vos neurones.(NB : le petit problème technique vient d'être réglé, désormais votre résultat s'affichera une fois le quizz terminé).

Allez bon jeu ! (et n'hésitez pas à indiquer votre score dans la rubrique commentaire)

C’est en novembre 68 que Robert Fripp (guitariste méthodique et inspiré) et Michael Giles (batteur inventif) se mettent en tête de monter une nouvelle formation après l’éphémère carrière de leur premier groupe (Giles, Giles & Fripp). king crimson

Le premier musicien à se joindre aux deux hommes est le talentueux multi-instrumentiste Ian McDonald suivi de près par le parolier Peter Sinfield, lui même suivi par le chanteur et guitariste Greg Lake. C’est Peter Sinfield qui cherchant un synonyme de Belzébuth trouvera le nom du groupe (Le roi pourpre).king crimson

Début janvier 69, King crimson répète pour la première fois et parvient à se faire engager pour jouer lors du fameux concert gratuit des Rolling stones à Hyde Park en juillet donné en mémoire de Brian Jones.king crimson

Dès lors tout s’enchaîne très vite car déjà le 25 octobre sort un album promis à un bel avenir. Le bien nommé In the court of the crimson king alterne entre morceaux calmes et pastoraux destinés à devenir des classiques (" Moonchild ", " I talk to the wind ", et le majestueux " Epitaph ") et violence futuriste (l’impressionnant " 21^st century schizoïd man "). Avec ce disque King crimson fait une entrée fracassante dans le paysage musical mondial en livrant un des premiers disque de " rock progressif " marqué par des titres fleuves emphatiques et mélodieux que sublime le son du Mellotron et une interprétation impeccable. La marque de fabrique de King Crimson est déjà là dès le premier disque : audace, interprétation exemplaire, institutionnalisation du mellotron, liberté dans l’enchaînement des thèmes, le tout sur toile de fond néo-moyennageuse revisité par la plume poétique de Sinfield.

Ce disque ouvre le champ des possibles à la musique pop et fait naître un genre (le rock progressif) qui sera largement dévoyé ensuite par des formations grandiloquentes.

Le groupe part alors en tournée en Angleterre puis aux États-Unis, les amenant à côtoyer de nombreux musiciens yankees tels que Iron Butterfly ou encore Janis Joplin.

Malgré le succès, les tensions se font jour et des différences de conceptions quant à l’orientation à donner au groupe se cristallisent. Finalement, un des grands artisans du succès du groupe Ian McDonald, suivi de Michael Giles quittent la cour du Roi pourpre en décembre 1969 afin de poursuivre une carrière solo (débouchant notamment l’année suivante sur le décevant album McDonald & Giles). McDonald reviendra sur le devant de la scène en 1976 à la tête de son groupe les Foreigner.

Ces deux défections n’entament pas le moral du trio qui sort en mars 1970 le simple Cat Food / Groon. L’album - sur lequel Mel Collins (cuivres) et Peter Giles (basse) sont venus prêter main forte - lui emboîte le pas. Malgré sa défection, Michael Giles continue quand même à assurer la frappe. Malheureusement, In the wake of Poseidon est une pâle copie du disque précédent, peu enthousiasmant hormis le splendide morceau éponyme.

À son tour Greg Lake quitte la formation en avril 1970 et part former Emerson, Lake & Palmer. Il est remplacé par Gordon Haskell (basse et chant) tandis que le subtil Andy McCulloch s’assoit derrière les fûts pour l’enregistrement du surprenant Lizard. Ce dernier opère de nouveau un changement radical d’orientation du groupe vers une musique de plus en plus sophistiquée et exploratoire. King crimson se permet d’aligner une longue suite (" Lizard "), chantée par le chanteur du groupe Yes (Jon Anderson), incluant un Bolero sans surprise (c’est-à-dire long et pénible à moins que ce ne soit l’inverse). Le splendide " Cirkus " ouvrant l’album, magnifié par le saxophone de Mel Collins, reste le titre le plus marquant d’un disque manifestement de transition.king crimson

Une fois de plus, après l’enregistrement du disque, le chanteur et le batteur quittent la formation laissant le Roi pourpre dans une situation peu enviable.king crimson

Fripp et Sinfield, seuls rescapés de la première formation, entament alors des auditions pour poursuivre l’épopée. Bryan Ferry est entendu mais non retenu, cependant les deux rescapés impressionnés par la prestation du jeune homme vont faire en sorte de lui mettre le pied à l’étrier.

Le choix se porte finalement sur le batteur Ian Wallace et le chanteur Boz Burrell. N’étant pas parvenu à trouver un bassiste lui convenant, Fripp se résout à enseigner les rudiments de la basse au chanteur. king crimson

Le groupe enregistre alors le délicat Islands paru en décembre 1971. Le disque, différe encore du précédent, et est très convaincant car il recèle de somptueuses compositions (l’instrumental " Sailor’s tale " et l’imparable " The letter " servie par une très belle interprétation vocale de Burrell) et des incursions étonnantes, notamment dans la musique de chambre (" Prelude : songs of the gulls "). Mais la formation n’en a pas fini avec les changements de personnels car le parolier Peter Sinfield est sommé par Fripp à la fin de l’année de quitter le groupe. Après son exclusion, il écrira les paroles de Emerson, Lake & Palmer.

Le groupe part en tournée et les prestations enregistrées ne sortiront que bien plus tard (sur le disque Earthbound paru en juin 1972). Peu de temps après la fin du Earthbound tour, Collins, Wallace et Burrel quittent King Crimson pour former avec Alexis Korner le groupe Snape.

Fripp se voit donc une nouvelle fois contraint de partir à la recherche de nouveaux membres. Le premier à le rejoindre est le percussionniste Jamie Muir, puis c’est au tour de l’ancien camarade de collège de Fripp, le chanteur et bassiste John Wetton de rejoindre le groupe. Ce dernier avait été pressenti pour faire partie du tout premier King Crimson mais l’affaire n’avait pu se faire et Wetton était parti rejoindre le groupe Family. Puis c’est le batteur des Yes, Bill Bruford, qui rejoint la formation décidant ainsi de rompre avec un groupe dont le succès commercial a quelque peu limité les ambitions artistiques. Le dernier à rejoindre le groupe est le violoniste et claviériste David Cross venu étoffer le son de la formation. Sinfield parti, il faut trouver un parolier et c’est finalement Richard Palmer-James, ancien membre de la première mouture de Supertramp et vieil ami de Wetton, qui prend sa place.

Les répétitions et les tournées débutent à la fin 72. Fripp a réuni autour de lui quelques-uns des meilleurs instrumentistes britanniques (" il n’y a pas quatre batteurs de rock comme Bruford en Angleterre " déclarera Fripp bien plus tard). Wetton et Bruford forment sans doute une des meilleurs section rythmique de l’histoire du rock, inventive et véloce capable d’une douceur ou de la violence la plus sauvage, le tout adossé à un bagage technique impressionnant. Sans oublier la qualité du chant de Wetton dont le grain de voix se marie à la perfection aux compositions du groupe.

Lark’s tongues in aspic est enregistré au début de la nouvelle année, puis la formation part en tournée en Europe puis aux États-Unis. Avec ce cinquième album sorti en mars 73, la formation loin de se couper du mouvement progressiste durci pourtant le ton. Les guitares saturées sont de plomb et la section rythmique d’acier. L’album est de très bonne facture même si les compositions fleuves de qualité (" Exiles ", " Easy money ", " The talking drum ") se perdent parfois dans des orchestrations trop touffues à l’exception notable de l’exquis " Book of Saturday ". Cet album fait de tension et d’explosion, poursuit la quête du Roi pourpre et emmène son équipage et ses gens de cour vers des contrées inexplorées où l’originalité est le maître mot. La formation a trouvé ses marques, chacun rivalise de technicité dans un complémentarité étonnante leur permettant une très grande liberté.

Jamie Muir quitte le groupe au début de l’année 1973 pour se retirer dans un monastère tibétain en Écosse. C’est durant la longue tournée qui suit que les membres restant rassemblent suffisamment de matériel pour enregistrer leur nouvel album.

Avec Starless and bible black, sorti en février 74, la formation opère encore une rupture de ton. Finis les morceaux très produits aux arrangements peaufinés. King crimson se tourne vers davantage de spontanéité et de liberté en s’écartant pour l’essentiel du symphonisme et des structures rigides pour s’orienter vers une musique où se rejoint la liberté du jazz (" Fracture ") et la violence du heavy metal sur fond de rock progressif. L’essentiel de l’album est donc constitué d’enregistrements effectués sur scène (une grande partie de l’album provient du concert du 23 novembre 1973 donné au Concertgebow d'Amsterdam). " The Great deceiver " et " Lament " ont été entièrement enregistré en studio, tandis que seule l’introduction du génial " The night watch " est live, le reste relevant du studio. Ce titre, inspiré d’un tableau de Rembrandt (intitulé en français " La ronde de nuit " et en anglais "  The night watch ") reste un des sommets de l’art " Crimsonien ", entre grâce et maîtrise technique où Fripp offre un de ses plus beaux solos avec ce son si pur qui n’appartient qu’à lui.

Au fur et à mesure que se radicalise la musique du Roi pourpre et qu’elle se dirige vers une forme où le violon n’a plus la place essentielle qu’il avait auparavant, Cross supporte de moins en moins de n’être que le claviériste de la formation et décide de partir. king crimson

Le groupe est donc réduit à un trio pour enregistrer Red. Mais la formation va faire appel à divers musiciens pour étoffer le son de la formation. Ainsi Robin Miller (Hautbois), Marc Charig (cornet à piston) se joignent à la formation. Il faut également noter le retour de Mel Collins (Saxophone soprano) et Ian McDonald (Saxophone alto). Ce dernier est d’ailleurs un temps pressenti pour réintégrer définitivement la formation, mais deux mois avant la sortie de l’album, Robert Fripp en annonce la dissolution. C’est la fin de la première période de King crimson. Personne ne se doute encore que Fripp réactivera le groupe quelques années plus tard pour explorer d’autres voies musicales. king crimson

Reste que le disque, sorti en octobre 1974, est un chef d’œuvre en fusion et " Starless " dernier morceau du disque met un terme de la plus belle manière qui soit à la fantastique carrière d’un groupe hors-norme qui a joué un rôle de précurseur en matière de rock progressif et dont les audaces musicales et techniques ont innervées une grande partie de la musique populaire depuis les années 70. king crimson

king crimson Discographie :

ALBUMSking crimson

In the court of the crimson King (1969)

In the wake of Poseidon (1970)

 king crimson

Lizard (1970)

Islands (1971)

Lark’s tongues in aspicking crimson

Starless and bible black (1974) king crimson

Red (1974)

Vander vs Mike Oldfield : Mike Oldfield plagiaire ?

Batteur Magazine : Avec "Mekanïk Destruktïw Kommandöh", le groupe était arrivé à une pleine maturité à tout point de vue. Pourtant, "Köhntarkösz", l'album suivant, explorait une voie différente ?

Christian Vander : C'est une triste histoire, mais les choses doivent être dites. Un certain Mike Oldfield a volé ma musique, plus exactement des extraits de Mekanïk et de La Dawotsin. Quand nous avons enregistré "Mekanïk Kommandöh" en 72, lui se préparait à enregistrer "Tubular Bells"*, qui est en fait un extrait de ma musique. C'est une musique que j'ai jouée devant lui en plus, sans même pouvoir imaginer qu'il aurait le culot de la reprendre et se l'attribuer. Quand je suis allé savoir le film "L'Exorciste", tel l'idiot du village, j'ai trouvé que la musique était fantastique. Forcément, puisque c'était ce que j'étais en train de faire. Je n'ai pas fait la relation tout de suite. Jusqu'au jour où on m'a rappelé : Mike Oldfield, c'est le type qui était présent dans le studio quand on a enregistré "Mekanïk Kommandöh"*. Il n'a jamais rien refait dans cet esprit d'ailleurs, puisqu'il n'avait pas la suite, qui est dans Mekanïk. Depuis, nombre de musiques de films ont été composées dans cet esprit, qui est typiquement Magma, et moi-même je ne pouvais plus jouer ma musique sans risquer d'être accusé de plagiat. Ça devenait complètement fou. J'avais composé à l'époque la suite de Mekanïk Kommandöh, mais je me suis senti freiné et j'ai dû partir dans une tout autre direction harmonique, qui était à ce moment un peu au-dessus de mes capacités -- contrairement à "Mekanïk" - ce fut "Köhntarkösz".  Interview de Christian Vander, Batteur Magazine n° 83 - Octobre 1995.

* Mike Oldfield était en effet présent lors des sessions de Magma au studio The Manor propriété de Richard Bronson.

* Tubular bells sortira le 25 mai 1973

Koid’9 : K.A. (Köhntarkösz Anteria) n'est pas une nouvelle composition puisque son élaboration date de 1972, soit avant celle de Köhntarkösz.

Christian Vander : Oui. Pour l'anecdote, un jeune homme du nom de Mike Oldfield assistait à nos séances d'enregistrement de "Mekanik destruktiw kommandoh" (MDK), en 1972. On répétait l'après midi et on jouait "la dawotsin". Ce jeune homme inconnu à l'époque écoutait avec attention et intérêt l'introduction de "la dawotsin". Et quand plus tard je suis allé au cinéma en Angleterre pour voir le film "L'exorciste", qui venait de sortir, ma surprise a été grande lorsqu'avec le fameux tube planétaire "tubular bells" ce sont les premières mesures quasiment copie conforme de "la dawotsin" qui ont résonné ! Du coup nous avons été obligés de nous réorienter et "K.A." a été remisé dans les cartons. Entre temps, j'avais aussi trouvé les accords de ce qui allait devenir "Köhntarkösz" et j'ai plutôt poursuivi dans cette voie. Ce n'est qu'en 93-94 que j'ai exhumé ces bandes et les ai faites écouter à des amis musiciens (…) Koid’9 n° 52 – Janvier 2005

"La dawotsin" ne sortira qu’en 1980 sur un magnifique disque concert (Magma, Retrospectiw vol. 3)

Tubular bells est lui disponible depuis 1973.

Les disques existant, chacun peut dès lors se faire une idée sur l’emprunt ou non effectué par Mike Oldfield.

La mort de Paul McCartney

Pour ceux qui l'ignorent, Paul McCartney est mort. Trop tard pour pleurer car le funeste événement remonte à l'année 1966, lorsque le célèbre musicien s'est tué au volant de son Aston Martin.

Les Beatles, alors au plus haut de leur popularité, décident de cacher la nouvelle, engagent un sosie et font en sorte que personne ne se rende compte de rien. Cependant, afin d'avertir les plus perspicaces, ils vont essaimer leur discographie de messages confirmant la terrible nouvelle. Nous vous proposons l'étude de ces principaux "signes".

Les affaires sérieuses commencent véritablement avec la sortie du 45 tours double face A « Penny Lane » / « Strawberry fields for ever ». A la fin de cette dernière, John Lennon d'une voix gutturale annonce clairement : « I buried Paul » (j'ai enterré Paul).

L'autre événément qui ne trompe pas c'est la décision prise d'arrêter les tournées car vraisemblablement le sosie n'est ni encore un bon chanteur, ni un bon musicien. Sans oublier que c'est à cette époque, que McCartney se sépare de son éternelle fiancée, l'actrice Jane Asher. On comprendra aisément qu'elle n'ait pas voulu continuer à vivre avec le remplaçant de Paulo. Il se chuchote même qu'elle aurait reçu une forte somme pour prix de son silence.

Les signes se multiplient sur l'album Sergent Pepper's Lonely Hearts Club Band 

- Pourquoi diable Paul est-il le seul Beatles à figurer de dos sur la pochette intérieure?

- Et cette main au-dessus de sa tête sur le recto de la pochette ? N'est-ce pas la bénédiction faite aux morts ?

- Pourquoi Macca porte-t-il un écusson noir « OPD » qui ne peut qu'évoquer le sigle Officially Pronounced Dead, désignant les soldats disparus ?

- Observez de plus près la grosse caisse au centre de cette pochette : si vous tenez un miroir au milieu des mots "LONELY HEARTS" apparaîtra "IONEIX HE<>DIE", soit  "I ONE IX HE <> DIE". Cette image suggèrerait la date (11-9, ou 9 novembre 1966) à laquelle Paul serait mort.

- Pourquoi, au premier plan y a-t-il une tombe recouverte de fleurs représentant une basse, ou un P (à vous de choisir) ?

Les avertissements sont encore plus évidents dans le film Magical mystery tour sorti en 1967 :

- Comment se fait-il que dans «  I'm the walrus » Paul porte sa montre au poignet droit alors qu'il est gaucher ? Erreur grossière ou message caché réservé aux plus perspicaces ?

- Et pourquoi est-il inscrit sur le bureau derrière lequel est assis McCartney : « I was » c'est-à-dire « J'étais » ?

Paru en 1968, le double blanc apporte également son lot d'indices. Cette fois, tout y est plus explicite.

- Sur « I'm so tired » Lennon au biais d'une bande passée à l'envers déclare « Paul is dead, miss him, miss him, miss him? » (« Paul est mort, il me manque, il me manque, il me manque ») (pour écouter cet extrait se rendre là)

- Et cette photo lugubre contenue dans la pochette intérieure du Double blanc n'est-elle pas en soi explicite ?

- Des preuves sont encore fournies dans le titre « Glass onion » : Lennon chante "Well here's another clue for you all/The walrus was Paul."

Pour ceux qui n'auraient toujours pas compris, les Beatles décident d'être encore plus explicites sur Abbey road au risque d'être redondants. Cette pochette est tout simplement un faire-part de décès. Et les partisans de cette thèse s'emploieront à le démontrer :

- Ringo est habillé en noir, couleur du deuil en occident. Il représente le croque-mort.

- George Harrison est en jean car c'est le vêtement des travailleurs, il est donc le fossoyeur.

- John Lennon tout de blanc vêtu porte la couleur du deuil dans les pays orientaux.

- Paul est le seul pied-nu : c'est ainsi que l'on enterre les morts dans certains pays. De plus il tient sa cigarette de la main droite alors qu'il est gaucher !

- Sans oublier que ces quatre individus traversent la rue de l'Abbaye... sans doute pour l'accompagner dans sa dernière demeure (et le mur au dos de la pochette ne peut qu'être celui d'un cimetière)

- Le véhicule sur la droite de la pochette est le corbillard

- La coccinelle sur la droite est immatriculée LMW 28 IF

L = living

M = McCartney

W = was

IF = si

Ce qui signifie  que « McCartney aurait eu 28 ans s'il avait été vivant ».

C

Q

F

D

Après  tous ces signes patents vous n'êtes toujours pas convaincu de la mort de l'ex-fab four ? Remettriez-vous la parole de Lennon en doute lorsqu'il affirmait sur la chanson "How do you sleep ?" en 1971 "Those freaks was right when they said, you was dead" ("Ces fanatiques avaient raison quand ils ont dit que tu étais mort")

Le sosie lui-même s'est permis - il faut dire que depuis la mort du vrai McCartney, le faux a mené une carrière plus qu'honorable - de faire un clin d'oeil plutôt déplacé à toute cette histoire en intitulant son album concert  Paul is live (Paul est vivant) !